Cuanto Arte ® (@cuantoarte) — Hemos venido a hablar de #arte 
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Este cuadro es uno de los más representativos del artista, y donde nos muestra s
Este cuadro es uno de los más representativos del artista, y donde nos muestra su iconografía de los relojes blandos. Es conocida la curiosidad de Dalí por la ciencia y por el trabajo de Einstein y su teoría de la relatividad, este cuadro es un muestra de su interpretación de dicha teoría. Dalí decía que el tiempo es personal, ya que equiparaba tiempo y memoria, en cuanto a que ambos son una serie de acontecimientos finitos que acaban por disiparse o en este caso derretirse. Él mismo dijo que sus relojes son quesos camembert «tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos» derritiéndose al sol. La composición es mayoritariamente horizontal lo que nos da sensación de quietud y calma, solo el tronco del árbol a la izquierda de la imagen es vertical, las líneas curvas de los relojes y la figura central aportan un suave movimiento que recuerda al de las olas de esta playa. En los cuadros de Dalí podemos apreciar un academicismo puro en las líneas del dibujo que son muy precisas. La Luz y la sombra juegan un papel fundamental para crear la atmósfera onírica y hasta cierto punto como de delirio. Como figura principal un perfil humano que se dice es un autorretrato, se retrata de la misma manera que a los relojes, desfigurado y lánguido como deshaciéndose en el tiempo fugaz. De los 4 relojes, vemos a 3 que se deshacen, los que muestran la hora, las 6 de la tarde, un momento concreto para demostrar que ya ha pasado, y aun así, el cuadro lo hace permanente, por eso decía que no puede representarse el tiempo sino el espacio. El cuarto reloj es el único que no se deshace, pero tampoco nos muestra su hora. Podría haber dos interpretaciones, o que su tiempo aún no ha empezado, o que su tiempo ya ha acabado. Para decantarnos por una de las dos, nos fijamos en las hormigas que tiene encima el reloj. Los insectos en los bodegones se utilizan para remarcar la podredumbre, es un elemento simbólico que nos remite al “memento mori”. Podría vincularse a la muerte del primer hijo de sus padres, Salvador Dalí, que sus padres le pusieran a él, su segundo hijo, el mismo nombre fue un trauma que le acompañó toda su vida. Pequeños relojes y…¡cuánto arte!
25.03.2019 08:41:03
Estos días hemos oído a hablar de esta pieza, ya que ha intentado ser robada sin
Estos días hemos oído a hablar de esta pieza, ya que ha intentado ser robada sin éxito! Tras esta obra se encuentra una familia muy interesante de pintores flamencos, y vamos a presentarlos: Pieter Brueghel “El Joven” es hijo de Pieter Brueghel “El Viejo”, su hermano es Jan Brueghel y ambos fueron pintores como su padre. Éste falleció cuando eran niños y aprendieron a pintar con su abuela Mayken Verhulst. Por sus trabajos conocemos las obras del padre, pintaban cuadros inspirados en su obra. No está claro que tuvieran acceso a todas, por lo que también se basaban en dibujos preparatorios u otros documentos. Ésta pieza es un ejemplo, la crucifixión original de Brueghel El Viejo no se ha conservado, pero la conocemos porque la reprodujo su hijo. De esta misma escena hay varias versiones, y es que Pieter tuvo problemas financieros durante toda su carrera, por lo que en su taller se vendían, también, copias en diferentes medidas de obras de su padre, por ejemplo, “Winter Landscape with Skaters and a Bird-trap" fue reproducida 60 veces; “Viejo San Juan Bautista Predicando” lo fue 25 veces, etc. Las copias nunca son iguales, Brueghel “El Joven” en cada una de ellas quería mejorar la anterior por lo que añadía o eliminaba elementos con este fin. Para copiar los dibujos de su padre utilizaba una técnica que él llamaba “pouncing”, una manera de calcar dibujos de una superficie a otra. Como recordaréis, el arte flamenco se caracteriza por la minuciosidad en los detalles y la voluntad naturalista. Hay que conocer su interés por las escenas de la vida cotidiana del pueblo, a menudo puede verse más de una acción aconteciendo a la vez. Una de sus obras más conocidas es “El abogado de la aldea”. Como curiosidad, durante mucho tiempo se conoció a Pieter Brueghel “El Joven” como Brueghel infernal, por sus composiciones fantasiosas en tonos rojizos y negros con figuras grotescas, que parecían imágenes del averno, y que ya había hecho su padre. Recientemente estas escenas se han retribuido a su hermano Jan, ponemos un ejemplo en la imágenes, ya que permite acercar el XVII con el mundo onírico del simbolismo que ocurrirá dos siglos después. Pequeñas copias y…¡cuánto arte!
19.03.2019 14:14:59
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Esta obra de Velázquez, el autor más notable del Siglo de Oro español, nos sirve
Esta obra de Velázquez, el autor más notable del Siglo de Oro español, nos sirve para introducir la idea del desnudo en el arte moderno, estamos ante la primera imagen de desnudo femenino de la historia de España! Durante el XVII el desnudo era considerado obsceno y tenía que filtrarse por las normativas del decoro que limitaban en moralidad, poder y estética. Estas reticencias eran aplicadas al cuerpo femenino, el cuerpo masculino sí que podía mostrarse ya que representaba la realidad, mientras que por el contrario el cuerpo femenino se asociaba a la carnalidad y al deseo sexual. La sexualización del cuerpo de la mujer, idea de la cual aun no nos hemos desprendido, ha hecho que desde siempre sea expuesto a la censura. Lo sorprendente de la representación de Velázquez es que se aleja de toda la iconografía apreciable en las representaciones habituales de Venus, pelo largo y pelirrojo, adornada con joyas y flores. Aquí vemos una escena mundana de una joven que, para nada, aparece divinizada. Esto hace pensar que Velázquez buscara en la mitología la justificación para poder retratar el cuerpo femenino sin ser considerada una obra obscena y pasar así el filtro de la moralidad de su época. Sería por este motivo que titularía el cuadro como “Venus del Espejo”, en lugar de llamarlo “La mujer desnuda” como se cita en algunas ocasiones, y colocaría la figura de cupido como único referente mitológico de la composición. Esta figura sujeta un espejo, elemento que se encuentra en otro cuadros del pintor, y que da otra perspectiva del cuadro y que hace referencia a la vanidad. Si Velázquez hubiera querido representar a la diosa de la belleza, lo que nos resultaría extraño sería que la hubiera hecho de espaldas y que el reflejo de su rostro estuviera difuminado, ya que si representas la belleza no la ocultas. Esto nos conduce a pensar que el autor estaría exponiendo la subjetividad de la belleza o las dialéctica entre belleza/vanidad y amor/erotismo. En 1914 este cuadro fue atacado por Mary Richardson feminista y sufragista, quien acuchilló el cuerpo de Venus en repetidas ocasiones. El motivo podéis verlo en las imágenes. Pequeños desnudos y…¡Cuánto Arte!
14.03.2019 07:41:38
Este cuadro fue un encargo supuestamente de Boucher, quien había sido maestro de
Este cuadro fue un encargo supuestamente de Boucher, quien había sido maestro de Fragonard, al recibirlo no lo quiso por considerarlo indecoroso. Y es que las temáticas “picantonas” son habituales en el pintor. En esta escena idílica se representa el adulterio, en la parte central como foco de luz y color encontramos a una joven sentada en un columpio que empuja un señor mayor, el marido, que es representado en segundo plano y en penumbra. La dama se acerca a primer plano por el movimiento de vaivén, su mirada conduce a la nuestra a fijarnos en la esquina inferior izquierda, en la que encontramos a un joven recostado entre arbustos que mira por debajo de las enaguas de la muchacha, el amante. En la imagen se plasma el momento álgido del movimiento del columpio, los amantes nunca estarán más cerca, ya que después la joven volverá con su marido. Este breve espacio de tiempo representa la fugacidad de la fogosidad erótica. Las estatuas representadas nos dan información del argumento, a la izquierda junto al amante, la figura de un cupido que pide silencio, el amor secreto. Entre la joven y su marido dos putti (amorcillos) juntos, el amor reconocido. En el XVIII los matrimonios entre la aristocracia solían ser por conveniencia, es por este motivo que las infidelidades eran algo habitual y se consideraban normales, a pesar de ser un pecado en las clases bajas. Los matrimonios entre las clases altas eran considerados como la manera para asegurarse la posición, una vez que estos matrimonios tenían descendencia que perpetuara los títulos, cada cónyuge vivía su sexualidad por separado. Aunque Fragonard no era alumno de la Academia ganó el Prix de Roma en 1752, lo que le permitió viajar a Italia donde observó la pintura renacentista de la que tomaría la representación de la naturaleza y jardines. Pequeños secretos y…¡cuánto arte!
12.03.2019 07:48:50
Este es un cartel de propaganda para una empresa americana llamada Westinghouse
Este es un cartel de propaganda para una empresa americana llamada Westinghouse Electric, realizado por el diseñador gráfico J. Howard Miller quien hizo varios pósters durante la segunda guerra mundial. Su objetivo era animar a las trabajadoras de las fábricas para que trabajaran más. Este cartel también es conocido como Rosie The Riveter, a causa de asociar la imagen con el título de una canción compuesta en 1942 por R. Evans y J. J. Loeb en la que se explicaba la situación de guerra en la que las mujeres ocupaban empleos de hombres en su ausencia, sobretodo en fabricas de producción de armamento militar. Lo que no se cuenta en la canción es que al volver los hombres de la guerra se hizo renunciar a las mujeres a sus puestos de trabajo remunerado para el que se habían especializado y fueron relegadas de nuevo al rol doméstico. Durante su época no lograría difusión, ya que era un cartel interno de la compañía para motivar a sus trabajadoras, y el cartel pasó inadvertido entre toda la propaganda bélica de aquellos años.  Su éxito mediático lo obtendría a partir de la década de 1980 cuando se recuperó la imagen y se usó como símbolo feminista por tener un mensaje claramente identificable con el  empoderamiento de la mujer. La imagen se inspiró en una fotografía en blanco y negro de una trabajadora en una fábrica, como no se tenía el nombre se atribuyó inicialmente a Geraldine Doyle al reconocerse a sí misma en el cartel, nadie dudó de ella hasta encontrar otra fotografía. Esta vez estaba fechada de 1942 y con el nombre Naomi Parker Fraley, a quien el registro histórico le rechazó la solicitud de rectificación. Parker murió en enero de 2018 a los 96 años. Esta imagen se ha utilizado en campañas políticas, ha aparecido en revistas, se han hecho memes con ella, en 1999 incluso era un sello postal en EEUU, cantantes como P!nk la ha emulado en su videoclip Raise your Glass y en 2012 se creó una APP que permitía cambiarle la cara al cartel. Seguimos en lucha y… ¡cuánto arte!
08.03.2019 08:05:13
Esta escultura pasó por muchas fases empezando por el diseño en yeso de 1880 tit
Esta escultura pasó por muchas fases empezando por el diseño en yeso de 1880 titulado El Poeta que medía 70cm hasta su monumentalidad de 1903 hecha en bronce de 180cm. Fue un encargo para el conjunto escultórico La puerta del Infierno que tenía que recoger más de ciento-ochenta piezas y que finalmente no se realizó, dejándonos esculturas autónomas como ésta. Al ser un encargo para este conjunto, Rodin pensó en representar a Dante como referencia a su obra La Divina Comedia pero más tarde al no producirse este proyecto, la aumentó de tamaño y la tituló El Pensador. Es una obra centrípeta, es decir, que se cierra en sí misma dentro de un círculo imaginario, lo que transmite la reflexión, el mundo interior de la figura. No obstante, no es una obra en reposo y sin acción, el acto de pensar es activo no pasivo, esto se revela en el zigzag que podemos seguir en las líneas de la pierna, muslo, torso, brazo y cabeza; tiene ritmo, algo está pasando. De esta manera, vemos que el cuerpo está en tensión pero inmerso en sus pensamientos, lo que refleja preocupación, la angustia existencial. Se puede contemplar por todos los ángulos ya que se trata de una escultura exenta. En esta obra y en otras piezas de este autor se puede apreciar la influencia de Miguel Ángel, y es que Rodin viajó a Roma donde vio sus trabajos. Por ejemplo, a pesar de ser una escultura realista muestra una clara desproporción en manos y pies, también el non-finito para crear diferentes texturas, juegos de luz y atmósferas (por estos dos últimos se considera una obra impresionista). Una curiosidad es que Rodin suspendió tres veces el examen de acceso a la escuela de Bellas Artes y se formó por otros medios, aprendiendo anatomía en el museo natural, modelaje con un escayolista, y con la observación del trabajo de otros escultores. A pesar de eso, no se duda en considerarlo el padre de la escultura moderna al romper los cánones Académicos de la Francia del XIX. Pequeños pensamientos y… ¡cuánto arte!
06.03.2019 13:57:20
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Esta obra es uno de los primeros retratos cuya temática no es hagiográfica (la v
Esta obra es uno de los primeros retratos cuya temática no es hagiográfica (la vida de los santos) sino costumbrista. Es el retrato del mercader Giovanni Arnolfini y su mujer Giovanna Cenami, se representan de cuerpo entero en su habitación, la escena es muy teatral y hierática. En la pintura flamenca destaca la minuciosidad por los detalles, por ejemplo, en el marco del espejo se representan diez escenas de la pasión de Cristo. El gusto por la representación de objetos revela el status social, las naranjas eran un artículo de lujo en el norte de Europa. Y el naturalismo, la voluntad de plasmar fielmente la realidad, aunque visto desde hoy en día no nos lo parezca porque no hay movimiento y no es nada espontáneo. A parte de esto, van Eyck se adelantó a su tiempo por su preocupación por la luz y por la perspectiva, el reflejo del espejo que enseña la escena desde otro punto de vista. La actitud de los dos personajes muestra los roles que cumplía cada cual en aquella época. Él en gesto de bendecir o jurar tiene el poder moral, ella con la cabeza gacha en señal de sumisión y con la mano encima de la barriga en referencia al embarazo, momento culminante de la mujer. La interpretación de la escena está abierta, en 1934 el historiador de arte Erwin Panofsky escribió que se trataba de una boda secreta, ya que en aquel contexto para que un matrimonio tuviera oficialidad solo era necesario presentar un documento que lo atestiguara, el cuadro es este documento ya que encima del espejo hay una inscripción “Jan van Eyck estuvo aquí 1434”. Pero hay otras hipótesis, se descubrió que algunos objetos fueron pintados a posteriori y en aquella época no era habitual que un pintor trabajara fuera de su taller, por lo que se dice que podría tratarse de algún exorcismo que habría hecho la pareja para favorecer la fertilidad (habitual por aquel entonces) dado que el matrimonio no tuvo hijos. Detrás de las manos enlazadas de ambos se presenta una gárgola como mal augurio y como castigo a las infidelidades de él. Pequeños detalles y…¡Cuánto arte!
04.03.2019 14:22:36
Esta pieza es un boceto sobre cartón que Lautrec preparó para su serie de litogr
Esta pieza es un boceto sobre cartón que Lautrec preparó para su serie de litografías titulada Ellas que se publicó en 1896. Las imágenes representadas en este álbum son escenas cotidianas de la vida en los prostíbulos, ambientes en los que el artista solía moverse y que no dudó en tratarlos como temática en sus representaciones. A diferencia de sus contemporáneos, Lautrec nos enseña la prostitución sin actitud moralizarte, no nos muestra estas escenas para crear un juicio, si no que aprovecha que él mismo está allí para captar momentos espontáneos, naturales y reales. El pintor rechaza trabajar con modelos que enseñen posiciones convencionales, busca la representación de momentos que no están premeditados, ni diseñados, ni preestablecidos. En este sentido se podría relacionar con la coreografía de Nijinsky para La consagración de la primavera de Stravinky en 1913, que revolucionó la danza al hacer que la protagonista se fuera tropezando y cayendo mientras bailaba en puntas, el momento más esplendoroso del ballet clásico. En ambos casos se pretende bajar del pedestal a los objetos de admiración, ya sea una modelo posando o una bailarina en el escenario. Como “salseo" podemos comentar que Lautrec era de familia noble, pero la consanguinidad de sus padres le provocó dolencias en los huesos que dificultaron su crecimiento, se dice que padecía enanismo pero no es cierto, en su juventud se rompió los dos fémures lo que le hizo no superar la altura de metro y medio. Esta circunstancia le condicionó para darse a la mala vida, cayendo en el alcoholismo y finalmente contrayendo sífilis. En esta imagen se nos presenta una mujer en una posición completamente abandonada sobre una cama desecha. Las líneas del dibujo son muy sutiles, casi desdibujadas lo que permite hacer una simbiosis entre la figura de la mujer y la cama, solo las medias negras provocan el contraste que nos hace ver que son dos cuerpos ajenos el de la mujer y el del objeto. Lautrec pinta escenas de la vida moderna con un estilo que servirá de influencia para artistas posteriores del expresionismo como pueden ser Klimt o Schiele e incluso Picasso en su etapa azul. Pequeños bocetos y…¡Cuánto arte!
02.03.2019 18:51:16
Este cartel publicitario es muy reconocido y reconocible, forma parte del imagin
Este cartel publicitario es muy reconocido y reconocible, forma parte del imaginario europeo, y es que la publicidad también puede ser arte. Su autor es Steinlen un pintor y cartelista modernista de origen suizo que viajó a París con 19 años y donde tuvo la oportunidad de hacer esta pieza, la más reconocida de su carrera, posteriormente trabajó para varias revistas y estuvo expuesto en el salón Des Indépendants. El diseño de la imagen es completamente modernista, desde la tipografía hasta la carga visual de la figura del gato que destaca claramente sobre el fondo. Este cartel nos permite hablar de un local que abarcó el ambiente artístico de una época. En la segunda mitad del XIX tenemos un personaje, Salis, que fue el creador animador y propietario del cabaret Le Chat Noir. Un local del barrio de Montmartre con mucha influencia artística en el París de la “Belle époque" y que inspiró a muchos locales posteriores, como por ejemplo, Els Quatre Gats de Barcelona, o muchos otros que tienen nombres parecidos. Este cabaret tenía como objetivo ser lugar de reunión de artistas, y aunque sus inicios fueron modestos, con la llegada del grupo "Les Hydropathes" (se dice que pusieron este nombre al grupo porque bebían de todo menos agua) conformado por artistas y escritores jóvenes y radicales como Goudeau ganaría reputación rápidamente hasta el punto de llegar a ser el lugar de debut del movimiento Las Artes Incoherentes del que hablaremos, seguro, en futuras ocasiones. Este cartel fue creado para la gira del cabaret con la que se pretendía dar a conocer su espectáculo de sombras y otros shows nocturnos que sucedían en su local. También se publicó en la revista humorística homónima que editaban y publicaban los mismos artistas que frecuentaban el cabaret. Como curiosidad, el local recibió su nombre de un gato negro y callejero que se instaló durante las obras en el cabaret, Salis quiso recordarlo bautizándolo de esta manera, El gato negro. Pequeños gatos y… ¡Cuánto arte!
28.02.2019 08:59:50
Pintor de origen ruso emigrado a EEUU a causa de la persecución antisemita. Es u
Pintor de origen ruso emigrado a EEUU a causa de la persecución antisemita. Es uno de los principales exponentes de la abstracción americana. Su lenguaje es una mezcla entre el concepto “sublime” de los románticos europeos y el “color field painting” (pintura en campos de color) y con él pretende transmitir las emociones universales como la tragedia o el éxtasis. Aunque estudió en el Art Student League de NY, Rothko siempre se consideró un pintor autodidacta. Durante la década de 1940 fue garante, junto a artistas como Pollock, del expresionismo abstracto. Pero a partir de los 50’s abandonaría toda figuración y se empezaría a hablar de su abstracción personal. Estaría vinculado a la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim siendo un componente de la llamada Escuela de Nueva York. Sus obras a partir del 1950 sus obras se basan en rectángulos, sin pretensiones geométricas, sobre fondos monocromáticos. Lo que destaca es que sus cuadros no tienen marco. Rothko busca el arte del tiempo y el espacio, pretende liberar a la pintura de la bidimensionalidad que le es impuesta por el soporte mediante la negación de los límites. Al crear obras de gran tamaño y sin límites el espectador tiene la sensación de estar delante de una extensión indefinida, y jugando con la composición de los colores tanto puede parecer que la obra se expande como que se contrae, generando un ritmo propio con el que el artista prendía que el espectador fuera transportado a un mundo que está más allá de la obra, un mundo místico que para el pintor era un espacio para la contemplación o meditación. Es este mundo detrás del cuadro lo que Rothko ofrece a los espectadores, y para ello se encargaba de todos los detalles del montaje de sus exposiciones, desde la altura en la que se debía presentar cada obra como la colocación de los focos, ya que la incidencia de la luz era un aspecto fundamental. Durante la década de los 60’s los colores serán más tenues que en la anterior, más sombríos e introspectivos. El crítico Robert Rosenblum denominó su estilo como "abstracción de lo sublime”. Pequeñas contemplaciones y…¡Cuánto arte!
26.02.2019 11:50:23
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Esta estampa forma parte de la colección de grabados titulada los Caprichos, una
Esta estampa forma parte de la colección de grabados titulada los Caprichos, una serie muy polémica para su época ya que es una crítica que se dirigía a todos los agentes sociales, desde la religión hasta la prostitución, provocando la intervención de la inquisición. Para no verse metido en problemas mayores Goya acabó regalando las planchas de las estampas al rey Carlos IV. Para entender la obra, cuyo título ya es bastante enunciativo, hay que trasladarse a la Ilustración, movimiento cultural y social que tenía como objetivo acabar con las tinieblas, motivo por el cual el XVIII es llamado también el Siglo de las Luces. En la obra vemos un hombre sentado en una silla delante de un escritorio sobre el que está durmiendo, los objetos de la mesa nos hacen pensar que podría tratarse del propio Goya. A su alrededor animales nocturnos como búhos y murciélagos que comparten escena con un gato negro y un lince al fondo. Cuando dice “sueño de la razón”, se puede entender de forma pasiva: una persona que no sabe razonar tiene miedos irracionales de los que nacen las supersticiones y los seres malvados como brujas y fantasmas que siempre son representados por entes externos a uno mismo. En este caso el sueño se interrumpe al despertar, por lo que la razón representa la toma de conciencia que se da a través de la educación. Pero también puede entenderse el “sueño de la razón” de manera activa: el acto de soñar o de imaginar se enmarca en la razón, es decir, que racionalmente creamos monstruos que tanto pueden ser individuales como colectivos (sociedad). Esta escena nos muestra la dualidad entre razón e irracionalidad, visión y ceguera, consciente e inconsciente. Goya se adelanta al surrealismo mostrándonos las inquietudes de los sueños y el mundo onírico. Goya no plantea esta imagen en un sentido moralizante desde la que él, ajeno a estos monstruos, aleccione al espectador, sino que, siguiendo con su costumbrismo, se representa como a una persona más que tiene sus propias inquietudes. Pequeños monstruos y…¡Cuánto arte!
25.02.2019 08:12:13
Es diciembre del 1921 y hace frío en el París Dadá. Nos refugiamos en la Librair
Es diciembre del 1921 y hace frío en el París Dadá. Nos refugiamos en la Librairie Six, el nuevo local de Soupault. Nos encontramos al recién llegado americano, Man Ray, colgando sus obras para la inminente inauguración. Aparece en escena alguien que domina la lengua inglesa (enorme suerte la de Ray), llamado Erik Satie el reconocido compositor. Enseguida Ray y Satie entablan conversación. Un diálogo intenso y sofocado acompañado de una ruta por los bares de la zona; una cosa lleva a la otra y por las calles de París algo inspiró a Man Ray. De regreso a su inauguración, Man Ray decide entrar en una ferretería y comprar una plancha, un puñado de tachuelas y pegamento. En un momento, y sin previo aviso, nace Cadeau (“regalo”) una escultura que supuestamente Ray creó para Soupault  y que se convertirá en uno de los símbolos del artista. Suerte que el fotógrafo inmortalizó el presente ya que poco tardó en desaparecer el original aunque la pieza nunca dejó de ser representada. Finalmente, con más de 80 años, Man Ray autoriza y firma una edición de 5000 copias que se vendieron a 300 dólares la unidad. No quedó ni una en el mercado. Cedeau fue creada y presentada en pocas horas. ¿Traspasaba el concepto de Reday-Made de su amigo Duchamp? Había creado un ‘objets désagréable’, un objeto que nos genera un cambio de sentimiento de pasivo a agresivo. Man Ray se refiere a su obra como algo iconoclasta que no hay que tomar muy en serio. Cedeau y otras obras del artista son objetos despojados de su función utilitaria que, a veces, se vuelven agresivos o insólitos. Para Man Ray estas obras son producto de un acto poético y humorístico para liberar a los objetos de su olvido doméstico. Decía: “diseñado para entretener, molestar, desconcertar, inspirar la reflexión, pero no para despertar admiración por cualquier excelencia técnica que generalmente se busca o se valora en objetos clasificados como obras de arte”. Éstos eran sus “objetos predilectos”. Pequeñas improvisaciones y… ¡cuánto arte! #CuantoArte#Arte#Art#Artista#Artist#HistoriaDelArte#HistoryOfArt#Cultura#ArtLovers#ArtWork#ArtBlog#Dadaismo#Escultura#ManRay#ErikSatie#Soupault#LibrarieSix#Paris
22.02.2019 08:11:07
¿Qué es arte? ¿Quién decide qué es arte? Todos hemos oído o hecho esta pregunta
¿Qué es arte? ¿Quién decide qué es arte? Todos hemos oído o hecho esta pregunta alguna vez. Esta pieza es la representación de estas preguntas y desencadenó un debate al respecto que revolucionó la historia del arte. Duchamp con esta obra planteó que cualquier objeto cotidiano sacado de su contexto e insertado en el contexto del mundo de arte puede ser arte. Así, un día fue a comprar un urinario, le dio la vuelta y lo firmó bajo el pseudónimo R.Mutt para presentarlo en la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de la que él mismo formaba parte. De esta exposición se decía que todas las obras iban a exponerse, todas menos esa, que fue ocultada de la vista del público. El artista abandonó el grupo. La pieza original se perdió y solo quedó de ella una fotografía de Alfred Stieglitz, que fue publicada en la revista The Blind Man coeditada por Duchamp y donde se hablaba de su rechazo en la exposición. Posteriormente se autorizarían las réplicas. Se han atribuido varios significadosa la obra: alusión a la lluvia dorada o al útero materno, etc. Así nació el Ready-Made, una provocación a todos aquellos agentes del mundo del arte que legitiman lo que es arte. La Fuente es un precedente del arte conceptual, e irónicamente en 2004 fue seleccionada como la más influyente del siglo XX. Existen teorías que dan la autoría a la Baronesa Dadá, Elsa von Freytag, una artista dadaísta multidisciplinar que creaba sus obras con objetos que encontraba en la calle. A menudo se disfrazaba con ellos, resultando ella en sí misma una obra de arte viviente. En 1927 Duchamp le envió una carta a su hermana donde hablaba de una amiga suya que, bajo el seudónimo de R. Mutt, le había enviado un urinario como si fuera una escultura. Esta carta no sirvió para desligar la obra del autor, por la tendencia del artista de usar seudónimos. Duchamp no reclamó la autoría hasta después del fallecimiento de la Baronesa. ¿Casualidad? La fuente generó gran revuelo y abrió la veda que otros artistas siguieran con el “todo vale”. ¿Es la muerte del arte? Pequeños pseudónimos y... ¡cuánto arte! #CuantoArte#Arte#HistoriaDelArte#ReadyMade#Dadaismo#Duchamp#RMutt#ElsaVonDreytag#LaFuente
21.02.2019 10:04:42
Estamos, ni más ni menos, frente una de las instalaciones galardonadas en la pas
Estamos, ni más ni menos, frente una de las instalaciones galardonadas en la pasada edición de @feriaarco (ARCO18), concretamente con el premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico. El trabajo multidisciplinar presentado, exige que el observador deje de ser un figura pasiva para ser activa frente una composición con fines comunicativos. Try not to think so much nos habla, sí, y lo hace desde la pared, presentándose como un amplificador compuesto donde cada letra es un elemento de perturbación. La obra nos habla para informarnos de lo “ruidoso”. Y lo ruidoso en este caso tiene un claro objetivo de crítica. Eugenio Ampudia (@eugenioampudia) pretende evidenciar el flujo comunicativo endogámico del mundo de arte. Lo que escuchamos, por decirlo de algún modo, es la superposición auditiva de teorías y conferencias del circulo del arte. Sin duda, mensajes que no llegan al observador/oyente, por eso son ruidos envolventes totalmente ininteligibles y molestos que en vez de acercar el arte al espectador lo alejan. Pero… Try not to think so much, nos acerca, nos acerca para formar parte de la perturbación. Tocamos la obra y modificamos el efecto sonoro que percibimos pero seguimos sin entender. ¿Quién juega con quién? Pequeñas interferencias y… ¡cuánto arte! #CuantoArte#Arte#Art#Artista#Artist#HistoriaDelArte#HistoryOfArt#Divulgación#Cultura#Culture#ArtLovers#ArtWork#ArtBlog#ArtCommunity#ArteContemporáneo#ContemporaryArt#InstalaciónArtistica#InstallationArt#EugenioAmpudia#ARCO#ARCO18#TryToNotThinkSoMuch
20.02.2019 10:13:53
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Esta obra es perfecta para introducir a Piet Mondrian, pintor holandés muy influ
Esta obra es perfecta para introducir a Piet Mondrian, pintor holandés muy influenciado por las teorías esotéricas que triunfaban en el XIX. En su búsqueda por el sentido de las cosas Mondrian encuentra a Helena Blavatsky y su teosofía, que será la raíz del pensamiento del artista. En este tríptico se nos muestran los 3 estados de conciencia o el camino hacia la plena conciencia, tal como lo entiende el pintor, representados en 3 figuras femeninas de líneas rígidas que recuerdan a figuras arcaicas y al movimiento cubista que está ocurriendo en Francia. En el primer panel encontramos una figura de ojos cerrados (inconsciente), cuyos pezones y ombligo son representados a través de triángulos apuntados hacia abajo, hacia la tierra. Enmarcando la cabeza flores rojas y negras, colores utilizados para representar las pasiones, pasiones terrenales si lo vinculamos con la dirección de los triángulos. En el segundo panel, la figura se nos presenta ojiplática, ojos bien abiertos y conscientes, sus pezones y ombligo, esta vez, se representan con triángulos que apuntan hacia arriba, hacia el cielo. También cambian los colores de las flores que rodean su cabeza, ahora son amarillas y blancas, colores claros que se refieren al grado más elevado del intelecto, intelecto espiritual. En el tercer panel, una figura que vuelve a tener los ojos cerrados, esta vez no es que sea inconsciente sino reflexiva, mira hacia adentro, su mundo interior. Sus pezones y obligo son la conjunción de los dos triángulos presentados anteriormente y forman cuadrados (en este caso inclinados, pero que ya pueden entenderse como referente de sus obras posteriores de abstracción) apuntando al cielo y a la tierra a la vez. También, mediante otra forma de combinar los triángulos, se nos presentan las flores en forma de estrella de seis puntas, con el objetivo de aunar naturaleza y espíritu, tierra y cielo, pasión y razón. Por tanto, Mondrian nos revela, en tres fases de conocimiento, el camino hacia la verdadera espiritualidad. Pequeñas influencias y… ¡cuánto arte! #CuantoArte#Arte#Art#Artist#HistoriaDelArte#HistoryOfArt#Simbolismo#Pintura#PietMondrian#Mondrian#TrípticoDeLaEvolución
19.02.2019 08:21:14
Este es uno de los frescos más conocidos de la historia del arte. Es una de las
Este es uno de los frescos más conocidos de la historia del arte. Es una de las escenas del ciclo del Génesis pintadas en el techo de la Capilla Sixtina. Fue la última que se terminó y des del inicio hasta hoy ha tenido gran aceptación del público. Para ver más allá de los aspectos formales de la escena hay que tener en cuenta que en el Renacimiento la corriente de pensamiento es el Humanismo, una visión antropocéntrica que lleva al pintor a no jerarquizar en dimensión a la deidad respecto al humano. En este sentido hay aspectos que nos pueden llevar a pensar que Miguel Ángel se habría identificado con Adán al hacerlo zurdo y representarlo con ombligo, hecho que ha dado lugar a discusiones teológicas. Lo que sí utiliza el pintor para diferenciar a Dios del humano es la composición. Crea dos mundos, uno etéreo y otro terrenal, lo que está muy ligado a ideas platónicas, que interactuan mediante una acción en desarrollo representada por la diagonal. Debajo del brazo de Dios estaría Eva como siguiente proyecto de creación, lo que también remarcaría la diferencia entre el mundo sensible (material) y el mundo inteligible (idea). Como dato curioso, hay quien ve en el manto divino una forma de cerebro y/o de útero. Las dos reflexiones son muy interesantes ya que el cerebro representaría la racionalidad como principal característica humana (tradicionalmente atribuida a lo masculino), mientras que el útero se puede relacionar con el génesis, tema del ciclo y que es el poder de dar vida, directamente vinculado a lo femenino.En este aspecto, podríamos generar un debate sobre si el artista quería poner de relieve, también, la divinidad femenina. Pequeñas reflexiones y… ¡cuánto arte! #CuantoArte#Arte#Art#Artista#Artist#HistoriaDelArte#HistoryOfArt#Divulgación#Cultura#Culture#ArtLovers#ArtWork#ArtBlog#ArtCommunity#Renacimiento#Renaissance#Pintura#Painting#Fresco#MiguelÁngel#Michelangelo#CapillaSixtina#SistineChapel#LaCreaciónDeAdán#TheCreationOfAdam
17.02.2019 12:12:13
Este espacio está destinado a la divulgación del arte.

Su objetivo principal es
Este espacio está destinado a la divulgación del arte. Su objetivo principal es acercar las obras al espectador, dando un poco de información de cada una, para generar curiosidad, reflexión y diálogo entre todas aquellas personas que tengan a bien participar. La intención es que tu estancia aquí sea activa y formes parte del proyecto con tus aportaciones, peticiones e ideas. El mundo del arte es muy extenso porque... ¡cuánto arte nos rodea! Cuanto Arte está formado por la artista Rut Cañas (@rutwithouth) y por la Historiadora del Arte Elena Monguillot. #CuantoArte#Arte#Art#Artista#Artist#HistoriaDelArte#HistoryOfArt#Divulgación#Cultura#Culture#ArtLovers#ArtWork#ArtBlog#ArtCommunity
17.02.2019 11:06:52
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